立即報名
前言：樂譜是地圖，還是法律？
在傳統的鋼琴課室裡，往往瀰漫著一種無形的壓力。 學生坐在琴凳上，看著架上的樂譜，眼神充滿敬畏。對他們來說，那上面的每一個豆豉（音符）、每一個強弱記號，都像是一道不可違抗的「聖旨」。
錯了一個音？那是罪過。 改了原本的節奏？那是對作曲家的不敬。
我有時會問學生：「如果這裡你不想彈 Re，你想彈 Mi，可以嗎？」 他們通常會瞪大眼睛看著我，彷彿我剛剛說了一句大逆不道的話：「阿Sir，樂譜唔係咁寫架喎，會俾人鬧架。」
這就是我常說的「樂譜魔咒」。 當然，我不否認在某些場合——例如英國皇家音樂學院的考試、或是校際音樂節比賽——精準地還原樂譜是必須的，那是對演奏技術的一種考核。 但如果我們退一步，從「學習音樂作為一種語言」的角度來看，這種「100% 複製」的思維，其實在不知不覺中，扼殺了孩子最珍貴的想像力。
一、擁有感 (Ownership)：這是我的音樂，不是蕭邦的
為什麼我堅持在課堂上引入 Partimento（即興與改編） 的訓練？ 其實目的不是要培養作曲家，而是為了建立學生的 「擁有感 (Ownership)」。
我觀察到一個非常有趣的現象： 當一個學生在彈奏那些「聖旨」般的考試歌時，他的身體往往是緊繃的，觸鍵是小心翼翼的。他在乎的只有「對與錯」。
但當我給他一個簡單的 模組 (Schemata)，例如昨天提到的 Romanesca，然後對他說：「好，現在這個骨架交給你，你想用什麼樣的旋律去裝飾它？你想它變成悲傷的，還是快樂的？」
那一刻，學生的眼神會變。 當他彈出一段屬於他自己的變奏時，你會發現他的觸鍵變深了，呼吸變順了，甚至嘴角會不自覺地上揚。 為什麼？因為這一段音樂，不再是蕭邦或莫扎特的借藉物，而是獨一無二、屬於他自己的作品。
那種「看著自己的作品在指尖流淌」的滿足感，是任何一張 Distinction 證書都給不了的內在自信。
二、模組 (Schemata)：創意的安全網
很多家長會擔心：「阿Sir，叫佢亂改，會唔會改壞手勢？或者變成亂彈？」 這裡有一個誤區。改編不是亂編，即興不是亂彈。
這就回到了我們 Partimento 的核心工具——模組。 我們不是給學生一張白紙叫他隨便畫（那樣他們會恐慌）。我們是給他一套「樂高積木 (Lego)」。
我提供了底層的和聲結構（例如 1-7-6-5…），這就是安全網。 在這個安全網之內，學生可以自由地嘗試：
- 「如果我把這個音往上走會怎樣？」
- 「如果我在這裡加一個附點節奏好不好聽？」
因為有模組支撐，他們不再擔心會彈出「錯誤」的內容（因為骨架是對的）。這種安全感，反而激發了他們大膽去試錯、去探索。 你會驚訝地發現，孩子天生就有審美能力。他們試了幾次之後，通常會自己修正：「Sir，我覺得剛剛那樣不好聽，我想換這個。」 這就是自我修正，是學習最高級的形態。
三、正向循環：因為改編過，所以更懂欣賞
這是我覺得推行即興教學最重要、卻最少人提到的一個好處——它能反哺傳統的經典學習。
試想一下，一個從來沒寫過作文的人，讀莎士比亞時，可能只會覺得「好多字、好難背」。 但一個自己嘗試過寫作的人，讀到莎士比亞的一句金句時，他會拍案叫絕：「嘩！原來可以這樣形容！」
音樂也是一樣。 當一個學生經歷過「改編」的過程，他知道了如何用模組去構建情緒。 下次當他回去彈奏莫扎特或貝多芬的奏鳴曲時，他不再是死記音符。他會突然「看懂」了作曲家的巧思：
- 「咦？原來莫扎特在這裡也用了跟我一樣的模組！」
- 「為什麼他在這裡突然轉了一個調？啊！原來是為了製造這種驚喜！」
他的視譜不再是機械式的掃描，而是變成了「大師與大師之間的對話」。 這會極大地增加他練琴的動機（Motivation）。因為他不是在練手指，他是在研究別人的「寫作手法」，並想著下次怎麼用在自己的改編裡。
